Stick Men: interacción y arquitectura

Entrevista con Markus Reuter, previo a una nueva visita del trío a Chile

Viernes, 20 de Febrero de 2026

Invitados habituales a nuestro país, el power trío de Tony Levin, Pat Mastelotto y Markus Reuter, Stick Men, ha sido una fuerza imparable de un potente y dinámico rock instrumental, desde que se fundaron en 2007 como una especie de banda derivada de King Crimson. Han pasado los años y el grupo ha construido una estética musical y cuerpo de trabajo propio a través de un catálogo abultado, no solo con discos en estudio tradicionales, sino que también con registros en vivo y colaboraciones con músicos de la talla de David Cross, Mel Collins y Gary Husband.

Caracterizados por su fieras y libres reinterpretaciones de clásicos de King Crimson, el trío ha sabido entregar nuevas dimensiones sonoras y estructurales no solo a piezas de la banda de Robert Fripp, sino que también, por ejemplo, a obras del compositor docto Ígor Stravinski. “Cuando interpretamos material de King Crimson, lo tratamos con respeto, pero no con reverencia”, explica Markus Reuter. Pese a la cercanía con el Rey Carmesí, Stick Men posee una obra de composiciones originales de gran peso y cuyo último capítulo de puede apreciar en su más reciente álbum “Brutal”.

Para profundizar sobre la banda, su sonoridad, su historia, su discografía, sus relaciones y, por supuesto, sus próximos conciertos en Chile, los días 13 de marzo en Santiago y 15 del mismo mes en Concepción, conversamos con el importante músico alemán, intérprete de la touch guitar Markus Reuter, no solo parte fundamental de Stick Men, sino que inquieto músico con una dilatada obra solista y múltiples cooperaciones creativas, con artistas variados como Devin Townsend, Asaf Sirkis de Soft Machine y Thorsten Quaeschning de Tangerine Dream, solo por nombrar unos pocos.

-Hola Markus, muchas gracias por tu tiempo. En 2025 Stick Men editó “Brutal”, un EP de cinco canciones con un sonido bastante crudo y rockero. ¿Qué nos puedes contar de este disco en relación a su proceso de creación y grabación? ¿Cómo ves que este disco se diferencia con otros de la banda?

-“Brutal” es exactamente lo que sugiere el título. Queríamos despojarlo todo de su esencia: que fuera directo, físico, sin complejos. A lo largo de los años, Stick Men ha explorado una música muy intrincada y arquitectónica. Con este EP, nos centramos en la inmediatez y en el impacto. El material surgió de la energía del directo. Capturamos ideas rápidamente, confiamos en las primeras tomas y evitamos pulirlo demasiado. Hay cierta crudeza en el sonido. Menos capas, más ataque. Se acerca más al rock en un sentido primario, pero conserva la complejidad rítmica y el pensamiento contrapuntístico que definen a Stick Men. Comparado con álbumes anteriores, se siente más concentrado. Cinco piezas, sin excesos, solo fuerza.

-Hablemos de tu camino como intérprete del touch guitar. ¿Cómo fue que llegaste a este instrumento en específico y que nos puedes decir de su versatilidad, de su sonido y, en definitiva, de tu relación e historia con el instrumento?

-La touch guitar es increíblemente versátil. Puede funcionar como bajo, guitarra, piano o instrumento de percusión. Puede ser orquestal o minimalista. Invita a una forma de pensar pianística en un instrumento de cuerda. Para mí, se convirtió menos en un instrumento y más en un sistema de composición. Mi relación con ella es larga y está en constante evolución. Cada pocos años, descubro algo nuevo. Sigue exigiendo crecimiento. Ha moldeado no solo mi técnica, sino también mi identidad como músico.

-¿Qué recuerdos tienes de tu primera época en Stick Men cuando grabaron álbumes como “Absalom” de 2011 u “Open” de 2012? ¿A nivel creativo, cuánta diferencia o no existe entre esos años de la banda y el Stick Men actual?

-Aquellos primeros discos, como “Absalom” y “Open”, trataban sobre descubrir el lenguaje del trío. Definíamos parámetros: cuánto espacio, cuánta densidad, cuánta improvisación versus composición. Había una energía pionera. Estábamos construyendo algo desde cero. Hoy, tenemos una mayor confianza y un vocabulario más amplio, pero la esencia sigue siendo la misma: interacción rítmica, conciencia estructural y riesgo. La diferencia es la madurez. La esencia no ha cambiado.

-En sus presentaciones, ustedes interpretan varias canciones de King Crimson. ¿Cómo dirías que es el acercamiento o la relectura que ustedes hacen de estas composiciones?

-Cuando interpretamos material de King Crimson, lo tratamos con respeto, pero no con reverencia. Estas piezas son organismos vivos. Las adaptamos al formato de trío y a nuestra instrumentación. Eso inevitablemente las transforma. Nuestras versiones resaltan la arquitectura rítmica entrelazada. A veces reinterpretamos partes, redistribuimos las funciones armónicas o ampliamos secciones improvisadas. El objetivo no es replicar, sino continuar con el espíritu de exploración.

-Ustedes han trabajado con integrantes clásicos de King Crimson, por ejemplo, con David Cross en “Midori” (2015) y con Mel Collins en “Roppongi” (2017). ¿Cómo fue la experiencia de trabajar con estos músicos que grabaron con la banda de Robert Fripp en sus primeros años?

-Trabajar con músicos como David Cross y Mel Collins fue a la vez una experiencia humilde e inspiradora. Poseen una profunda historia, no solo técnica sino también emocional. Hay cierta autoridad que proviene de haber formado parte de esos años de formación de King Crimson. Al mismo tiempo, eran completamente abiertos y lúdicos en el estudio. No se sentía nostálgico. Se sentía vanguardista. Abordaban la música con curiosidad, no como piezas de museo.

“Vengan abiertos, vengan curiosos”

-Si tuviéramos que definir el estilo o describir la música de Stick Men, ¿qué clasificación les acomoda más, rock instrumental, art rock, rock progresivo, metal progresivo o prefieren no definir los parámetros de su propuesta musical?

-Las etiquetas son útiles para orientarse, pero rara vez captan la esencia. El rock instrumental es preciso. El rock progresivo está históricamente conectado. El metal progresivo a veces se aplica en términos de densidad e impulso rítmico. Pero, en definitiva, Stick Men se trata de interacción y arquitectura. Es improvisación estructurada dentro de marcos compuestos. Si se necesita una etiqueta, el rock progresivo es aceptable, pero nos interesa más el proceso que el género.

-Stick Men también hizo una versión de “Firebird Suite” del compositor Ígor Stravinski. ¿Cómo fue traslapar esa composición al formato de trío de la banda y cuál es la cercanía que ustedes tienes con compositores académicos contemporáneos?

-Adaptar la “Firebird Suite” de Ígor Stravinski fue un reto estructural. Se trata de reducir la densidad orquestal a tres voces. Nos centramos en los pilares rítmicos y armónicos. En lugar de imitar la orquestación, trasladamos la gestualidad y la energía. Se convirtió en algo casi como música de cámara. Intenso, concentrado. La conexión con la música clásica contemporánea reside en la estructura. Pensamos arquitectónicamente. Muchos compositores del siglo XX se preocuparon profundamente por el ritmo, la textura y la forma. Preocupaciones que nos resultan muy familiares. ¡Y Tony Levin ha trabajado con Igor!

-El año pasado editaste el disco “TRUCE 3” con un trío integrado por el bajista Fabio Trentini y el actual baterista de Soft Machine, Asaf Sirkis. ¿Qué nos puedes contar de aquel disco y de la experiencia creativa con dicha banda?

-“TRUCE <3>” fue un panorama emocional muy diferente. Con Fabio y Asaf, el énfasis estaba en el ritmo, la atmósfera y el lirismo. El trío funciona como una conversación más que como una confrontación. Hay espacio y calidez. Asaf aporta una inmensa sutileza rítmica, y Fabio tiene una voz de bajo melódica que canta. Se sentía menos agresivo que Stick Men, más abierto. La música respira de forma diferente, así que puedo expresar una faceta muy distinta de mi musicalidad.

-Stick Men ha venido en numerosas ocasiones a Chile, donde el amor por el rock progresivo es muy fuerte. ¿Cuál es tu percepción de las audiencias chilenas y qué recuerdos especiales tienes de tus otras visitas a Chile con el trío?

-El público chileno es increíblemente atento y apasionado. Hay una gran seriedad al escuchar. La gente viene preparada y conoce la música. El intercambio de energía es intenso pero respetuoso. Hemos pasado veladas inolvidables allí. Hay una calidez y generosidad que perdura mucho después de terminar la gira.

-Finalmente, ¿qué nos puedes adelantar del show que harán el próximo 13 de marzo en Santiago y qué mensaje quisieras enviar a los fans?

-El concierto en Santiago reflejará quiénes somos ahora. Esperen material de “Brutal”, selecciones de todo nuestro catálogo y, por supuesto, algunas reinterpretaciones relacionadas con nuestra historia compartida. Mi mensaje a los fans es simple: vengan abiertos, vengan curiosos. Estos conciertos no son recitales, son eventos en vivo. Su presencia moldea el resultado.

Héctor Aravena A.